CAMPANADAS A MEDIANOCHE

“Campanadas a Medianoche” es una obra capital dentro de la filmografía de Orson Welles, en ella el autor ejerció un control total sobre la escritura, la realización y la postproducción de la película. El producto final, corroborando las tesis del propio Welles, se traduce en una obra de arte cinematográfica cercana a lo sublime, repleta de fuerza visual, virtuosismo narrativo y de un emocionante lirismo.

La película no es la adaptación cinematográfica de una obra teatral de Shakespeare, sino un guión elaborado por Orson Welles a partir de cuatro obras de su autor favorito (“Las comadres de Windsor”, “Ricardo II”, “Enrique IV”, “Enrique V”) y las crónicas de Holinshed ambientadas en la Inglaterra medieval. Ya en 1939 Welles había confeccionado para la escena una adaptación de estas obras que tituló “Los cinco reyes”. Parece ser que el espectáculo fracasó. En cambio el film que hoy nos ocupa, nutrido por las mismas fuentes, funciona a las mil maravillas, gracias a la genial idea de usar como eje de la acción al entrañable Falstaff, interpretado en la cinta por el propio Welles de manera soberbia.

FICHA TÉCNICA: CAMPANADAS A MEDIANOCHE “Falstaff (Chimes at Midnight)”.

AÑO: 1965. DURACIÓN: 115 min. PAÍS: España, Suiza.
DIRECTOR: Orson Welles.
GUIÓN: Orson Welles. MÚSICA: Angelo Franchesco Lavagnino. FOTOGRAFÍA: Edmond Richard (B&N).
REPARTO: Orson Welles, Keith Baxter, John Gielgud, Jeanne Moreau, Alan Webb, Margaret Rutherford, Norman Rodway, Fernando Rey, Walter Chiari, Marina Vlady, Michael Aldridge.

PRODUCTORA: Internacional Films, Alpine Films. Productor: Harry Saltzman, Emiliano Piedra. GÉNERO: Drama. Comedia. Edad Media.

SINOPSIS: En los albores del siglo XV, en Inglaterra una lucha por la corona real está a punto de desatarse. La poderosa familia Percy, encabezada por el aguerrido Henry “espuela ardiente”, reclamando para sí derechos de sucesión al trono se opone a la legitimidad del rey Enrique IV.

Mientras el joven Hal, príncipe de Gales y heredero a la corona, vive completamente despreocupado. Alejado de las tensiones que asolan al reino, vive de forma disoluta enlazando una juerga tras otra bajo la tutela de John Falstaff,  un viejo y gordo bribón, que a pesar de ostentar el título de hidalgo es, sin lugar a dudas, el mayor sinvergüenza de toda Inglaterra.

Corría el año 1966 cuando “Campanadas a Medianoche”, la tercera y última película del ciclo shakespeariano de Orson Welles, triunfaba en el festival de Cannes. El jurado, la crítica especializada y el público concedían a la cinta de Welles tanto o más mérito que a las películas que compartían ese año la codiciada Palma de Oro (“Un hombre y una mujer” y “Señoras y señores”), por lo que el festival decidió premiar a la extraordinaria cinta de Welles con un doble premio: Un premio extraordinario al que denominaron “Premio 20 Aniversario” (aunque curiosamente era la edición número 19) y el gran premio de la Comisión Superior Técnica.

El camino recorrido hasta ese momento de gloria no había sido rápido ni fácil, tal y como solía ocurrir con todas las películas del genial director.

La génesis del proyecto, tal y como ya comenté en el encabezamiento, se remontaba a 1939 cuando Welles concibió para el Mercury Theatre una versión temprana de la misma en la que fusionaba varias obras de Shakespeare ambientadas en el medioevo utilizando como hilo conductor las “Crónicas de Inglaterra, Escocia e Irlanda” de Raphael Holinshead.

Dice Welles: “Estaba pensado que The Five Kings se hiciera en dos partes para ser exhibida en dos sesiones. Hicimos una sola, utilizando Ricardo II, Enrique IV, partes I y II, y Enrique V. La segunda parte debía incluir Enrique VI, partes I, II y III, y Ricardo III. Todo un barrido de las obras de la historia inglesa.”

El proyecto no cuajó, pero Welles siguió con la idea rondándole la cabeza, y así en 1960 presentaba en el Dublín´s GateTheatre un montaje titulado “Falstaff (Chimes at Midnight)”, muy cercano a lo que poco después sería la película, ya centrado en la figura de Falstaff y protagonizado por él mismo. 

Los tibios resultados obtenidos por la pieza no aplacaron el ímpetu de Orson Welles y al poco tiempo ya estaba buscando financiación para trasladar su deseado proyecto a la gran pantalla.

Finalmente el dinero llegó, el productor español Emiliano Piedra accedió a endeudarse hasta la camisa en un doble proyecto comandado por Welles que incluía la realización de dos películas: Una, “Campanadas a medianoche” totalmente controlada por Welles, de corte artístico y con escasas posibilidades de triunfar en taquilla. Y una segunda película, “La isla del Tesoro”,  basada en la novela de Stevenson más ligera y comercial, con la que se pretendía recuperar la inversión y ganar algo de dinero.

Y así en septiembre de 1964 comenzaba el rodaje de la película que se prolongaría hasta abril de 1965.

La Inglaterra de inicios del siglo XV está completamente recreada en España, el bajo presupuesto y la atracción que Welles sentía por nuestro país le llevaron a ubicar la película en diferentes localizaciones entre las que cabe destacar: La catedral de Soria, el ruinoso monasterio románico de Cardona (Barcelona), la madrileña Casa de Campo y las murallas de Ávila.

Solo se construyo un decorado, el de la posada “La Cabeza del Jabalí”, montado en un garaje y pintado por el propio Welles para abaratar costes.

Desde el primer momento el director imprimió su dinamismo y sello personal al rodaje. Juan Cobos, crítico de cine y ayudante de dirección en la película, en un artículo publicado en 1974 en la revista “Dirigido por…” comentaba al respecto:  
“Al cabo de una de las jornadas típicas con Welles durante la preparación, rodaje o montaje,  cualquier hombre normal apenas tiene ganas de otra cosa que dormir y estar en forma para la batalla del día siguiente. Recuerdo que a los pocos días de comenzar el rodaje de "Campanadas a Medianoche" en Cardona, el equipo de dirección, producción y cámara, que vivíamos junto a él y los actores en un hotel tomábamos junto al café del desayuno nuestra gragea de Vitamina C. Puede parecer un chiste pero se demostró que el desgaste de energías exigido por el ritmo de trabajo, a tumba abierta, que nos marcaba lo hacía necesario.”
 

También es interesante leer las palabras recogidas por Jesús Franco, director español de serie B y jefe de la segunda unidad en “Campanadas a Medianoche”, en su biografía “Memorias del Tío Jess” y con las que relata la dinámica de trabajo que Welles les imponía: “Pasé casi un año de mi vida, yendo y viniendo. Localizando decorados, vistiendo príncipes y menesterosos, rodando y esperando angustiado su opinión sobre mi trabajo. Lo cierto es que en general el no decía nada. Alguna vez mi trabajo le debió de gustar más de lo normal, porque me levantó en brazos y me plantó dos besos en las mejillas. Otras veces me regañaba.”  
Franco subyugado por el talento de Welles y por su excéntrico método de trabajo refiere: “Él convertía, como un mago, las cosas, las embellecía con su talento. Trabajar a su lado fue una experiencia única y enriquecedora, en todos los sentidos, menos en el práctico. Era inimitable. Improvisaba todo el tiempo, nunca sabía cual iba a ser la escena siguiente. Se paseaba cada mañana, con su enorme cigarro, mientras todo el equipo esperaba a que marcara, por fin, el primer emplazamiento de la cámara. Si alguien osaba romper el silencio e iniciar una tímida pregunta, él gritaba: «No questions».”

Pronto, y a pesar de las imaginativas soluciones del director, los gastos desbordaron el presupuesto inicialmente calculado y hubo de buscar nuevas fuentes de financiación. Esta llegó de la mano de Harry Saltman, productor de la serie Bond, que deseaba que su nombre figurase en un film de prestigio aunque económicamente resultara un mal negocio.

No me resisto a contaros algunas de las argucias de Welles para abaratar costes, cito al director: “…cosas como terminar la actuación de John Gielgud en el importante papel de Enrique IV en sólo diez días. Después, cuando se hubo marchado, hicimos las tomas en las que aparecía de espaldas sustituyéndolo con un extra español. Hay una escena en la que deben aparecer los siete actores principales y en la que, literalmente, ninguno de los fotografiados es quien se supone que debe ser. Un falso Gielgud, un fingido Hotspur..., cada uno de ellos fue sustituido por un figurante.”

Y ahora a Cobos: “«Campanadas a Medianoche» para el esfuerzo productivo que suponía, los medios que necesitaba y los actores que tenía, la verdad es que era un film barato. Aún así tuvo que recurrir a su espléndido conocimiento de la técnica, a su afán innovador y a soluciones muy económicas y de gran efecto en pantalla, cosas de las que Welles sabe mucho”…”Todo el tiempo que dispuso de Jean Moreau para hacer su papel de Dolly Tearsheet fueron cuatro días, de los que más de uno se lo pasó ensayando la escena entre Falstaff, ella y el príncipe, en la posada. Hay escenas del personaje en que el plano general está rodado en Calatañazor, en Soria, el plano corto en Madrid, en el garaje que se empleó como estudio, y la despedida, en Ávila, al amanecer, con las murallas al fondo. Pues bien, sólo el plano corto de ella se pudo hacer con Jeanne Moreau. Welles ya no concede importancia a estas dificultades y en esta línea sabe hacer mil combinaciones.”

Finalizado el rodaje comenzó la postproducción que se alargó varios meses y en ella Welles demostró su enorme talento de director de orquesta.

Cobos, al que el director dijo al entrar en la sala de edición “Aquí es donde realmente se hacen las películas”, escribió al respecto:

“Una de las experiencias que jamás podremos olvidar fueron los meses que siguieron al rodaje de "Chimes at Midnight", y que pasamos con Welles en el montaje y sonorización de la película cuando ya todo el equipo estaba disuelto, salvo Edmond Richard que era una especie de "embajador" en el Laboratorio. Este tiempo que pasamos junto a él en las moviolas -donde normalmente trabajaba con la imagen pasando a doble velocidad, había dado lugar a un buen libro sino fuera porque Welles imprime tal dinamismo a su trabajo que cuantos le rodean apenas pueden seguirle, mucho menos tomar notas.”

El esfuerzo no fue en vano ya que una vez montados imagen, sonido y música, en su conjunto adquieren una cualidad lírica inusitada, una plasticidad exuberante y una armonía pocas veces alcanzadas en la obra del realizador.

Finalizado este largo making-off pasaré a hablar de la película.

La narración discurre en dos líneas bien diferenciadas y de cualidades diametralmente opuestas.

Una solemne y dramática en la que se nos muestran los entresijos de la lucha por el poder, donde se entremezclan intrigas, ardores guerreros, llamadas al honor y la posición trágica y extraordinaria del portador de la corona.

Como contrapunto la otra trama de carácter cómico.  En ella Welles nos ofrece una buena muestra de un estilo de vida popular y disipado hasta el exceso, repleto de picaresca, personajes caricaturescos, chanzas y jaraneo. Un estilo de vida personificado en la figura de Falstaff (Orson Welles) amigo íntimo y mentor en esas lides del príncipe heredero Hal (Keith Baxter) vínculo personificado de unión entre las dos tramas que configuran la narración.

Hal hedonista por naturaleza, prefiere gozar de los placeres mundanos que la compañía de Falstaff le brinda, pero a su vez asume que en un futuro su destino “real” le obligará a adoptar una vida similar a la de su padre el rey Enrique IV (John Gielgud), dejando atrás la vida ligera y a sus amigos.

Ambas tramas han dejado para la posteridad secuencias inolvidables de obligado estudio en cualquier escuela de cine, citaré mis preferidas: 

La inicial, poética, metafórica e hilarante, con Falstaff y maese Shallow atravesando un campo nevado, rememorando el pasado y concluyendo el diálogo haciendo referencia a cuando “oyeron las campadas a medianoche”. La secuencia acaba con un fundido en negro que da paso a los títulos de crédito y a la posterior narración en flasback.

La recepción de Enrique IV a los Percy en la sala del trono, con esos cañones de luz entrando a través de las ventanas, rompiendo el ambiente tenso y solemne en el que se desarrolla la disputa.

La parodia del rey interpretada por Falstaff, con una cacerola en la cabeza, en la que Welles demuestra unas sobradas aptitudes para la comedia jamás vistas en sus otras interpretaciones. Welles hace mofa y befa de los altos valores tras los que escuda la realeza sus actos más cuestionables.

Y por supuesto la batalla. Una auténtica joya cinematográfica el la que los múltiples planos, encuadrados de manera fascinante se suceden imbricados en una compleja tour de force de montaje.

Esas perturbadoras imágenes envueltas en la niebla vienen acompañadas de una partitura musical no menos perturbadora y fascinante. Y allí en medio, de nuevo Welles juega a subvertir los altos valores que han engendrado tamaña violencia, insertando planos del obeso Falstaff protegido por su esperpéntica armadura escondido entre los árboles o corriendo en el sentido contrario a la lucha.

Todas estos (y otros) grandes momentos cinematográficos se nutren de bazas imbatibles: El sublime talento para el encuadre y los movimientos de cámara de Welles (en este apartado también daremos algo de mérito al bueno de Jesús Franco), la extraordinaria fotografía en blanco y negro de corte expresionista de Edmond Richard, el cuidado vestuario diseñado por el propio Welles, el sonido y la excelente partitura del italiano Angelo Lavagnino.

En el apartado interpretativo la composición de Falstaff que realiza Orson Welles brilla con luz propia, es capaz de dotar al personaje de una humanidad de la que no gozan ninguno de sus otros célebres personajes.

Me atrevería a decir que es el único personaje (interpretado por él mismo) positivo de su filmografía. Nadie como el viejo Falstaff, fanfarrón, obeso, burlón, sablista, glotón y siempre sediento, para hacernos reír o emocionarnos con esa conmovedora secuencia final de la coronación de Enrique V.

Otras interpretaciones a tener en cuenta son la de John Gielgud como el rey Enrique IV, Keith Baxter como su hijo el príncipe Hal, Margaret Rutherford como la dueña de la posada Misstress Quickly, Alan Webb como maese Robert Shalow, Walter Chiari como el tartamudo señor Silencio y Jeanne Moreau como la prostituta amante de Falstaff.

Antes de despedirme me gustaría aportar tres enlaces que a buen seguro completaran convenientemente mi lectura previa de la película:

-Unos fragmentos, que tratan sobre la película, extraídos de una entrevista que Peter Bogdanovich realizó a Orson Welles para su libro “Ciudadano Welles”.

-Un artículo realizado por Conchi Sarmiento para la revista literaria digital “Ábrete Libro” en la que investiga sobre las fuentes shakespearianas que inspiraron a Welles para escribir el guión de la película.

-Por último y para completar nuestra visión sobre la obra de Shakespeare que aportó Orson Welles incluiré la reseña dedicada a “Macbeth” publicada por el camarada Ricardo Pérez en su blog Esculpiendo el Tiempo. Y esta otra dedicada a “Otelo” elaborada por el amigo Cinexim para su blog CINEXIM. Gracias queridos compañeros cinéfilos y un abrazo a los dos.

Y así acaba mi trabajo de síntesis y análisis en torno a este extraordinaria película, mi favorita junto a “Sed de Mal” de la filmografía de Orson Welles.

Ahora se impone un apasionante cine fórum en el que analizar las virtudes cinematográficas de la cinta y los variados e imaginativos ardides a los que Welles tuvo que recurrir para sortear los déficits técnicos y económicos.

Un saludo a todos y no os perdais esta película, es arte.