CIUDADANO KANE

Escribir sobre “Ciudadano Kane” supone un reto considerable, ya que en los 70 años transcurridos desde el estreno de la opera prima de Orson Welles muchas voces y plumas han analizado, desmenuzado y criticado la que para el American Films Institute (AFI) es la mejor película norteamericana de todos los tiempos.

Tras darle unas cuantas vueltas al asunto, creo que la mejor forma de acercarnos a la cinta es intentar explicar el “porqué” de la trascendencia de la misma: “Ciudadano Kane” es una película formal e intelectualmente revolucionaria que trajo consigo una profunda renovación del estilo y el lenguaje cinematográficos. Una voz de vanguardia, de las más significativas y contundentes de la historia del cine, que sirvió para revitalizar el cine clásico norteamericano abriendo nuevos y emocionantes caminos hacia la modernidad.

FICHA TÉCNICA: CIUDADANO KANE “Citizen Kane”

AÑO: 1941. DURACIÓN: 119 min. PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: Orson Welles.
GUIÓN: Orson Welles & Herman J. Mankiewicz. MÚSICA: Bernard Herrmann.

FOTOGRAFÍA: Gregg Toland (B&N).  
REPARTO: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, Dorothy Comingore, Agnes Morehead, George Colouris, Ruth Warrick, William Alland, Paul Stewart, Erskine Sandford, Ray Collins.

PRODUCTORA: R.K.O. Pictures. Productor: Orson Welles, George Schaefer. GÉNERO: Drama. Periodismo.

SINOPSIS: La muerte del magnate de la prensa Charles Foster Kane, uno de los hombres más poderosos e influyentes de Norteamérica, marca el comienzo de una investigación periodística entorno a la figura del prohombre.

El periodista elegido para dicha empresa, mantendrá una serie de entrevistas con las personas que mejor conocieron a Kane con el objetivo de averiguar el significado de la última palabra que pronunció en su lecho de muerte, Rosebud, y gracias a ello vislumbrar la figura del hombre oculta tras el mito.

En agosto de 1939 con Hollywood rendido a sus pies, el joven director de teatro Orson Welles, gracias a la espectacular notoriedad adquirida tras la emisión radiofónica de su versión de “La Guerra de los Mundos” de H.G. Wells, conseguía un contrato, sin precedentes en la historia del cine norteamericano, con la RKO. En el cual se convino que Welles realizaría una película al año como director, productor, guionista o intérprete (o todo ello al mismo tiempo) obteniendo el 20% de los beneficios brutos de la misma.

Durante el primer año de contrato el joven Welles no realizó ninguna película por circunstancias ajenas a él mismo. Comenzó a trabajar en la adaptación para el cine de dos textos literarios: “Heart of Darkness” de Joseph Conrad y “The Smiler with a Knife” de Cecil D. Lewis, pero ambos proyectos fracasaron y no pasaron de la confección del guión.

No obstante ese año de semiinactividad fue muy importante para Welles, ya que dedicó gran parte de ese tiempo a adquirir un amplio abanico de conocimientos fundamentales sobre el nuevo medio artístico al que iba a enfrentarse. Como fueron el visionado de numerosas películas y la iniciación simultanea en los mecanismos de estudio y en los secretos técnicos de la realización y el montaje.

En la primavera de 1940 Welles, John Houseman, Joseph Cotten y Herman J. Mankiewicz comenzaban a trabajar en la escritura del guión de “Ciudadano Kane”. En Julio del citado año se inició el rodaje, que duraría 15 semanas, envuelto en un impresionante secretismo impuesto por el propio Welles.

Todo ello contribuyó a despertar el interés de la opinión pública y una de las lenguas viperinas del Hollywood de la época, la columnista Louella Parsons, comenzó a difundir rumores malintencionados sobre la naturaleza del film, en los que afirmaba que éste se basaba en una mal disimulada biografía difamatoria del magnate de la prensa William Randolph Hearst.

En defensa de Welles salió la periodista Hedda Hopper, rival de la Parsons y tan víbora como ella, alimentando con ello un gran revuelo mediático que llegó a su clímax con el fallido intento por parte de Hearst de detener el estreno de la película por la vía judicial.

Tras este fracaso el ofendido magnate pasó a atacar a Welles través de sus periódicos y a boicotear todas las películas que producía la factoría RKO. Esto a pesar de costarle el cargo a George Schaefer, presidente de la compañía y principal valedor de Welles, sólo sirvió para retrasar unas semanas más el estreno de la película.

Finalmente “Ciudadano Kane” veía la luz simultáneamente en New York y Los Angeles el 9 de abril de 1941 en dos exitosos pases privados para la prensa. Ambos despertaron una enorme excitación entre la crítica especializada que se rindió con entusiasmo al talento de Welles restableciendo con ello, tras el escándalo, el aura de triunfador del genio.

“Ciudadano Kane” a pesar del escándalo y del éxito de crítica, fue un fracaso comercial, debido muy probablemente a la falta de adherencia del gran público hacia una película para la que no estaba mentalmente preparado.

Su innovadora estructura narrativa, articulada en cinco flashbacks cronológicamente superpuestos, desde cinco puntos de vista diferentes y la invitación al espectador, inherente a la trama, a realizar un ejercicio intelectual y de valoración moral sobre el protagonista de la película, fue "demasiado" para el espectador norteamericano medio de la época.

Welles explicaba así sus propósitos al respecto: “Su investigación (la del periodista Jerry Thompson) le lleva a cinco personas que conocían bien a Kane, que le amaban o le detestaban. Ellas le dan cinco versiones distintas todas muy parecidas, de tal forma que la verdad de Kane, como la de cualquier ser humano, no se puede deducir más que por la suma de todo cuanto de él se dice”…  “Según algunos, Kane no amaba más que a su madre, según otros, sólo a su periódico, a su segunda mujer, a él mismo. Tal vez a todos o tal vez a ninguno. El público es el único juez. Kane era a la vez egoísta y desinteresado. Idealista y estafador. Un gran hombre y un individuo mediocre. Todo depende de quien habla de él. Nunca es visto por la mirada objetiva de un autor. El propósito del film reside más en la presentación de un problema que en su resolución”.

No obstante y a pesar de estos testimonios sobre la ausencia de valoraciones morales e intelectuales explícitas por parte del autor, fácilmente podemos intuir en Welles una vocación crítica e incluso condenatoria frente a ciertas figuras megalómanas con afán de dominio social personificadas en Kane.

Así como también un trasfondo nostálgico frente a la infancia perdida, o más bien amputada traumáticamente en el caso de Charles Kane, un momento clave en la cinta que vendrá señalado por la separación impuesta al pequeño Charly de su hogar y de su madre.

Este evento traumático supondrá el inicio de un conflicto en la personalidad de Kane sobre el que se enraizarán su posterior egotismo y su obsesivo afán de imponer su voluntad sobre la de los demás.

Si bien es cierto que estos contenidos morales y su exposición son importantes en la película, lo que en realidad  concede una relevancia histórica a la cinta es su revolucionario y audaz tratamiento formal. En él se combinan con brillantez y coherencia un gran número de hallazgos formales, nuevos y ya existentes, con una clara vocación de recrear un lenguaje visual innovador capaz de plasmar nuevas realidades en la gran pantalla. Para el desarrollo de éstos fue clave la colaboración de uno de los maestros de la fotografía del cine clásico, el imprescindible GreggToland, no puedo imaginar un mentor mejor en el apartado técnico, para el bisoño Welles, que este genio de la cámara y la luz.

Entre estos hallazgos es imprescindible destacar la profundidad de campo (preconizada por Wyler y Renoir), el plano secuencia y el uso de grandes angulares para la ampliación lateral del campo visual.

Todos ellos nacen de la voluntad por parte del director por mantener al actor permanentemente relacionado con el decorado y el resto de los actores bajo la misma unidad escénica, lo que posibilita un nuevo uso del contenido dramático de las secuencias, más enfático y eficiente que el de las tradicionales secuencias del cine clásico en las que primaba la alternancia de planos.

Welles, al igual que su contemporáneo John Huston en “El Halcón Maltés”, utiliza con maestría recursos de marcado carácter simbólico extraídos del Expresionismo Alemán.

Entre estos destacaré el extraordinario uso de la luz y de las sombras y la planificación saturada de picados y contrapicados con la consiguiente (y lógica) inclusión de los techos en el plano.

Por último, como elemento imprescindible para dar coherencia a todos esos elementos formales y para dar significación al contenido del guión aparece el montaje. Una etapa de suma importancia para Welles y que reivindicó para sí activamente a lo largo de toda su filmografía.

Para hacernos una idea de la trascendencia que el propio Welles concedía al montaje leamos sus palabras: “En el mundo del cine hay muy pocos que sean auténticos realizadores ya que la única puesta en escena de verdadera importancia tiene lugar durante el montaje. Con Mark Robson y Robert Wise hemos tardado casi un año trabajando seis días por semana en montar “Ciudadano Kane. Es por tanto falso que a pesar de haber utilizado planos muy largos no había nada que montar.”

El trabajo en la moviola no se limitará a enlazar unos planos con otros con suma eficacia, sino que va a servir para enfatizar determinados aspectos narrativos y dramáticos gracias al uso de múltiples recursos de postproducción.

Decía Welles: “No puedo creer que el montaje no sea esencial para el director desde el momento  en que gracias a él controla completamente la forma del filme”… “El único lugar en el que ejerzo un control absoluto es la sala de montaje: allí el director es en potencia un verdadero artista, pues yo creo que un film no es bueno más que en la medida en que el director llega a hacerse con los diferentes materiales y no se contenta simplemente con llevarlos a buen puerto.”

Entre estos recursos cabría destacar: El montaje en profundidad de campo. La inclusión de elementos propios de otras disciplinas como son el reportaje en forma de noticiario cinematográfico o titulares de prensa. Insertos de animales u objetos en primerísimo plano. Los altibajos en el tratamiento de las voces y el sonido para aportar profundidad y verismo a la puesta en escena. Y la utilización de la excelente banda sonora de Bernard Herrmann para enlazar las diferentes secuencias.

Concluye Welles: “En mis montajes busco el ritmo exacto entre un encuadre y el siguiente. Es una cuestión de oído. El montaje es el momento en el que un film tiene que ver con el sentido del oído.”

Gracias a este oído, a un sentido del ritmo narrativo casi musical, las imágenes de “Ciudadano Kane” adquieren una cualidad poética "poniendo así la guinda" a este impresionante y renovador fresco cinematográfico.

Y así concluyo este análisis que espero completemos todos en el posterior cine fórum, ya que “Ciudadano Kane” pese a los cientos de análisis, estudios y reflexiones que ha soportado y soportará, tiene la virtud de revelárse como una fuente inagotable de estímulos y emocionantes lecturas para el cinéfilo.

Una fuente de la que beber y beber una y otra vez sin llegar a hartarse.