JOSEPH LEO MANKIEWICZ

Director de cine norteamericano nacido el 11 de febrero de 1909 en Wilkes-Barre (Pensilvania). Su padre emigró desde Berlín a EEUU a la edad de 17 años, era un intelectual, profesor de lengua, teología y pedagogía que se preocupó de proporcionar a sus tres hijos (Herman, Erna y Joseph) una sólida base cultural.

Joseph se casó tres veces, en 1934 con Elizabeth Young con la que tuvo un hijo, en 1939 con Rosa Stradner que falleció en 1958 y con la que tuvo dos hijos, y en 1962 con Rosemary Matthews que le dio una hija, y al parecer con la que fue más feliz.

Joseph comenzó la carrera de medicina abandonándola después para trasladarse a los 19 años a Berlín, donde trabajó como corresponsal para el Chicago Tribune. Su encanto y simpatía le abrieron las puertas de la UFA donde tradujo al inglés los intertítulos de las películas mudas. Tuvo la oportunidad de vivir de cerca la época de apogeo del expresionismo alemán, se interesó por el teatro y aprendió a escribir los textos de las películas habladas.

En 1929 volvió a EEUU, llamado por su hermano Herman que por entonces ya trabajaba como guionista en Hollywood.

EPOCA COMO GUIONISTA

La llamada de su hermano le “salvó” de acabar sus días como periodista, Herman le anunció que había un puesto “hecho a su medida” en la Paramount. El cine sonoro se acababa de estrenar y Herman escribió los diálogos para la versión hablada de “The Dummy” (1929) mientras que Joseph escribía los títulos de la versión muda.

Su aire europeo, su correcta forma de hablar, su aguda inteligencia y su intuición para explorar el alma humana le facilitaron un arrollador ascenso en los estratos de la meca del cine.

La figura de su hermano también contribuyó a su ascenso, Herman era un hombre hosco y amargado, desengañado del mundo del periodismo sensacionalista. Escribió el guión de “Ciudadano Kane” (1941) él sólo, con apenas una colaboración en los retoques por parte de Orson Welles, una espina que este último llevaría clavada toda su vida. Fue amigo de Groucho Marx y se abandonó al alcohol que finalmente acabó con él a los 56 años.

Joseph trabajó para la Paramount en films como “June Moon” (1931) y “Si yo tuviera un millón” (1932) de Ernest Lubitsch, “El pan nuestro de cada día” (1933) de King Vidor, o “El jardín de Alá” (1934) de Cukor.

En ese momento trabajaba también para la MGM escribiendo y colaborando en la elaboración de guiones como el de “El enemigo público número uno” (1934) de W.S.Van Dyke, película que consiguió el oscar al mejor guión y que ganó Arthur Caesar que fue quien firmó el guión, y también en otras como “Cuando el diablo asoma” (1934) también de Van Dyke.

EPOCA COMO PRODUCTOR

A partir de 1935, Louis B. Mayer, desatendiendo la petición de Mankiewicz de dirigir sus propias películas, lo nombró productor, trabajo que desempeño hasta 1942. “Tienes que gatear mucho antes de poder andar”, fue lo que le dijo Mayer. Durante esta época produjo 19 películas.

La primera de ellas fue “Furia” (1936) dirigida por Fritz Lang. En aquella experiencia, Mankiewicz aprendió a odiar a Lang, un personaje excéntrico, lleno de talento, déspota y megalomaniaco, pero del que también aprendió a usar la cámara para captar la esencia de la vida.

Otras obras maravillosas que produjo en esa época fueron, “Maniquí” dirigida por Frank Borzage, e “Historias de Filadelfia” (1940) de George Cukor entre otras. Pero su deseo de dirigir sus propios films, le llevó a abandonar la MGM y pasar a trabajar para la 20th Century Fox.

EPOCA COMO DIRECTOR

Tenía ya 37 años cuando empezó a dirigir películas, demasiado tarde quizás, y dejó de hacerlo a los 63 probablemente demasiado pronto. Rodó 20 films, de los cuales al menos la mitad se encuentran entre los mejores de la historia del cine.

Mankiewicz era un hombre de cine completo y además un entusiasta del teatro. Utilizó la imagen que aporta el cine para ofrecernos la palabra en espléndidos diálogos. Gran intelectual, fue guionista y co-guionista de sus obras. Adaptó al cine obras de Shakespeare, Tenesse Williams, Ben Jonson, Anthony Shaffer, Graham Green…

En una entrevista concedida a Días de cine el director comentaba: “Trabajo para un público que va a escuchar mi cine tanto como a verlo. El cine es un medio de comunicar ideas, sensaciones y reflexiones mediante una continuidad de efectos visuales. No soy capaz de hacer guiones enteramente originales. Siempre he tenido un punto de partida teatral o literario. A veces una simple noticia de un periódico me puede estimular”.

El suyo fue un mundo en blanco y negro, en su filmografía hay pocos títulos en color, incluso se negó a utilizar el color en películas como “Julio César”, porque según su opinión: “La sangre de César iba a dominar toda la escena, y no me pareció nada acertado que fuera el rojo de la sangre lo que dominara en las relaciones de Bruto, César y Marco Antonio”.

No podemos encuadrarlo dentro de ningún género determinado, pero cuando tocó alguno de ellos, lo hizo con gran maestría.

Sus diálogos están meticulosamente diseñados. Poseen gran intensidad y nos transportan a un mundo donde las ideas confluyen con los sentimientos.

Su cine es sólido, maduro y profundo, sus argumentos redondos y bien atados. Aportó su visión irónica del mundo y profundizó en el alma humana a la búsqueda del lado bueno y del lado malo.

Le gustaba dirigir actrices y diseñar para ellas caracteres fuertes y carismáticos. Se interesó por el choque entre la juventud y la madurez, como lo demuestra en “Eva al desnudo”, “El americano tranquilo” y “Cleopatra”.

Utilizó siempre el sonido directo, mientras otros directores como su amigo Fellini le aseguraba que era más fácil poner a los actores a decir: “Une, due, tre, quattro, cinque” para después doblarles y hacerles decir lo que se quisiera.

El flash-back es un elemento muy importante y reiterativo en su cine (imposible hacer en el teatro), argumentaba su importancia basándose en que el pasado del ser humano y sus pensamientos sobre el futuro afectan a su presente.

Su primera película fue “El castillo de Dragonwyck” (1946), la oportunidad se la dio Lubitsch que fue el productor, y al que siempre había admirado. Mankiewicz afirmaba que Lubitsch le había enseñado “lo que no hay que hacer” y que además le dio un consejo que siempre tuvo presente: “El film perfectamente dirigido es aquel en el que no se nota que ha sido dirigido en absoluto”. Mankiewicz reflexionaba al respecto: “He tratado de seguir la recomendación de Lubitsch y a lo mejor por eso no he sido nunca muy popular”.

Su era cine de gran calidad pero no siempre tuvo su correspondiente ganancia en taquilla. El mismo reconocía que sus películas nunca habían perdido dinero, pero sus ganancias habían sido escasas generalmente. Zanuk llegó a decirle: “Nosotros en la Fox, nos podemos permitir el lujo de tenerte gracias a lo que producen los musicales de Betty Grable”.

A continuación dirigió la poética obra de “El fantasma y la Sra. Muir” (1947) que le permitió ganarse la confianza del gran jefe Zanuk, gracias a lo cual dio el paso definitivo a la etapa más brillante de su carrera como director.

Con “Carta a tres esposas” (1949), consiguió el Oscar al mejor guión y otro a la mejor dirección. Detrás vinieron títulos inolvidables como “Eva al desnudo” (1950) película que obtuvo 6 Oscar y “Operación Cicerón” (1952) una interesante película de cine espías.

“Julio César” (1953) en la que Mankiewicz respetó con gran fidelidad el texto original de Shakespeare, recibiendo por ello los calificativos de “inculto” y “anacrónico” por parte de la crítica. El director la presentó al Festival de Venecia donde fue rechazada por el jurado alegando: “…sólo un director de Hollywood podía sacar a Bruto leyendo un libro, permitir que se oyeran las campanas de un reloj y que se hablara de sombreros o de ángeles”. Todo ello como diría Mankiewicz, son anacronismos que Shakespeare cometía a sabiendas en sus obras.

Esta desafortunada experiencia le llevó a negarse a intervenir en ningún festival competitivo. No creía que el cine fuera como “una carrera de caballos” donde siempre ha de haber un ganador. Se negó a ir a Cannes, a pesar de haber sido invitado en cinco ocasiones y lo calificaba de “rastro” en el que se iba a comprar y vender y donde lo que menos interesaba era el arte.

Afirmando al respecto: “… eso se lo dejo a Coppola, al que le encanta la publicidad y el aparecer en las entrevistas de la televisión, hechas durante los festivales, con la cara sudada y con pinta de estar “a bout de souffle”.

Su filmografía continua con “La condesa descalza” (1954), “Ellos y ellas” (1955), “De repente el último verano” (1959), y la famosa “Cleopatra” (1963). Esta última es una película que el director no gustaba de incluir en su filmografía, no la considera obra suya, ya que para él todo el proyecto acabo siendo una gran frustración, consumió varios años de su vida y casi le llevó a la muerte.

El proyecto inicialmente consistía en filmar dos películas, “Antonio y Cleopatra” y “César y Cleopatra”, pero los cambios de dirección en la Fox anularon el proyecto inicial para convertir esas dos obras, de las que Mankiewicz se sentía muy orgulloso, en un refrito de la mitad de duración al que titularon “Cleopatra”, y que fue un desastre de taquilla.

En el tintero quedó “El cuarteto de Alejandría”, el director pasó años escribiendo el guión y pensó que seria su obra definitiva sobre su tema favorito, las mujeres, pero que finalmente no dirigió.

“La huella” su última obra se estrenó en 1972. Desde entonces no volvió a trabajar, y se marchó de Hollywood alegando: “No vendré más por aquí: creasteis el cine y ahora lo estáis matando”.

Murió el 5 de febrero de 1993, en su casa de Beresford Hills, cerca de New York dando la espalda a Hollywood.

FILMOGRAFIA

· La huella (1972)

· El día de los tramposos (1970)

· King: A Filmed Record... Montgomery to Memphis (1970)

· Mujeres en Venecia (1967)

· Carol for Another Christmas (1964) (TV)

· Cleopatra (1963)

· De repente, el último verano (1959)

· Un americano tranquilo (1958)

· Ellos y ellas (1955/I)

· La condesa descalza (1954)

· Julio César (1953)

· Operación Cicerón (1952)

· Murmullos en la ciudad (1951)

· Eva al desnudo (1950)

· Un rayo de luz (1950)

· Odio entre hermanos (1949)

· Carta a tres esposas (1949)

· Escape (1948)

· El fantasma y la Sra. Muir (1947)

· El mundo de George Apley (1947)

· Solo en la noche (1946)

· El castillo de Dragonwyck (1946)

· Backfire (1946)

PREMIOS

· Su película más laureada es “Eva al desnudo” con la que ganó dos Oscar (1951) como director y guionista, el premio especial del jurado de Cannes (1950), el premio DGA o Director´s Guilt of America (1950), el Globo de Oro al mejor guionista (1950) y el premio de la crítica de New York como mejor director (1950).

· Por “Carta a tres esposas” ganó los Oscar como mejor director y como mejor guionista (1950) y el DGA (1949).

· Ganó el León de Oro del Festival de Venecia en 1987 como premio a toda su carrera.

MANKIEWICZ Y EL NUEVO HOLLYWOOD

Mankiewicz era un intelectual, un hombre culto y serio, que hacía sus películas para un público maduro y sensible. Tenía formada una opinión sólida sobre el mundo que le rodeaba, y no sentía reparos en hacerla pública.

Con el paso del tiempo el Hollywood que conoció Mankiewicz fue cambiando hasta el punto de hacerse irreconocible. Quizás él no se adaptara al cambio, o quizás el cambio ya no contaba con él, en cualquier caso, para Mankiewicz supuso una pérdida completa de los valores artísticos y estéticos que él consideraba la esencia del cine.

El director afirmó: “Hollywood ya no existe, se acabó el día en que la MGM subastó todas sus pertenencias. Hasta los zapatos rojos que Judy Garland usaba en el mago de Oz se vendieron. Se saldaron doce pares diferentes. ¿Cuál de ellos serían los auténticos que llevó Judy en la película? Los productores han desaparecido. Los escritores se han marchado. Las grandes estrellas ya no existen. Actualmente es como un gran burdel, donde se hacen las cosas más comerciales y espantosas que uno se pueda imaginar. Los grandes productores de antaño comparados a los de hoy fueron verdaderos artistas”.

La decadencia de Hollywood estaba unida al hecho de que los verdaderos dueños del negocio eran los propietarios de las salas de proyección, por eso Louis B. Mayer, el todopoderoso hombre de la MGM fue despedido por el empresario de los cines Loew’s de NY.

Cuando se prohibieron los monopolios, la mayoría optó por la distribución, y la United Artist se hizo cargo de la Metro y todo fue bien hasta que confió en lo que el director calificaba de un nuevo “genio instantáneo”. Oigámosle de nuevo en otra de sus corrosivas declaraciones: “Porque en EEUU tenemos genios instantáneos, como las sopas instantáneas, el café instantáneo y el sexo instantáneo. Hay de todo instantáneo en mi país. Se echan unos polvos al agua y ¡presto!, ya está. Michael Cimino, realizó una película muy taquillera y la United Artist le dio carta blanca para que hiciera “La puerta del cielo”, sin preocuparse en absoluto del guión ni de la producción. Confió solamente en el talento de Cimino, quien se gastó todo el dinero de la productora. Con el resultado de todos conocido (……) Lo que pasa es que no hay tiempo para nada. Todo se hace precipitadamente y salen genios por todos los lados, como las setas tras una tormenta”.

Leyendo estas declaraciones de Mankiewicz resulta evidente que el ritmo de la vida “moderna” no se adecuaba a su espíritu ni a su trabajo, era un genio clásico, amparado en valores como la agudeza e inteligencia de los diálogos, en escudriñar los recovecos del alma humana, en alejarse del sensacionalismo y en dar un cine de calidad. Por eso nunca entendió el éxito del cine taquillero. Algo en lo que no puedo más que darle la razón, al menos en una buena parte de sus argumentos.

El director rechazó gran cantidad de los proyectos que le ofrecieron, decía no estar interesado en absoluto en “el mundo de las galaxias”. Se sentía incapaz de dirigir robots, y se negaba a estar pendiente de los ombligos y de las partes privadas de los protagonistas. Estaba asombrado por el éxito de algunas películas, en particular “ET” y “Sólo en casa”.

Según él los nuevos directores habían cometido un gran error al aprender a hacer cine en las escuelas o en las universidades. “Que se cultiven, que lean, que aprendan de Shakespeare, de Molière o de Cervantes….que empiecen desde abajo. Así es como se aprende a amar el cine y no teorizando en el aula de un instituto”.

Siempre fue diferente, no sólo por su intelecto sino, también por su aspecto. Por su sex appeal. Fue amante de Judy Garland, Loretta Young, Joan Crawford, Linda Darnell y sin duda de otras muchas.

Admiró a los grandes directores de su época: Elia Kazan, Billy Wilder, John Ford… y fue admirado por todos ellos.

Trabajó con los grandes actores de la época, y su afilado ingenio y su carácter dominante, le llevaron a no pocos enfrentamientos y dificultades.

En el rodaje de “De repente el último verano” ¡Katherine Hepburn le escupió a la cara! El director comentaba que Hepburn jugaba a la gran diva y quería dirigirse a sí misma, algo que el no estaba dispuesto a admitir.

Con Rex Harrison le unía una relación de amor-odio, le consideraba buen actor pero le crispaba los nervios con sus excentricidades.

Bogart le parecía grosero mal educado e imprevisible, además presumía de no aprenderse nunca los diálogos, pero con Mankiewicz tuvo que aprendérselos. Respecto a Marilyn ironizaba: “En su primer día de trabajo ya prometía lo que iba a ser. Llegó con una hora de retraso y su escena más corta hubo que repetirla veinticinco veces. Con esto queda todo dicho”

Y en efecto así queda dicha, no toda, sino sólo una parte de la verdad de Joseph Leo Mankiewicz. Un gran hombre del cine que nos legó sabiduría y arte. Un genio que se sintió poco comprendido y desplazado en el Hollywood de los años 70, tanto como para decir: “I am never quite sure whether I am the cinema’s elder statesman, or just the oldest whore on the beat”

Veamos pues las películas que esta nueva etapa de Ciclos de Cine nos ofrece de la mano de Mankiewicz.

Un saludo para todos amigos cinéfilos.