CICLO ANTHONY MANN

Para programar nuestro siguiente miniciclo dedicado a Anthony Mann necesitamos la participación de todos vosotros. El método a seguir para la selección de los 5 films que definitivamente revisaremos será el siguiente:

• Todo el que desee participar propondrá 7 films de este director.
• Las votaciones podeis mandarlas por correo e- a la dirección del blog (dmfc73@gmail.com) o dejarlas en la zona de comentarios de esta entrada.
• Las 5 películas más votadas serán las elegidas para el ciclo.
• En caso de empate los administradores elegiremos las que finalmente se programarán.

Para recibir las películas mandadnos vuestra dirección de correo e- a la dirección del blog (dmfc73@gmail.com) Os enviaremos los enlaces para descargar las películas (megaupload o rapidshare).
Cada semana publicaremos una entrada que tratará una película elegida, en la zona de comentarios podemos exponer nuestros puntos de vista y desarrollar un pequeño cine-fórum . El cine fórum de cada film sigue abierto mientras las entradas sigan en la página de inicio del blog. Para no imponer un ritmo de visionado muy exigente cada entrada estará abierta y con feed-back practicamente un mes y medio.

Ya sólo nos queda daros las gracias a todos por vuestra participación y desearos unas Felices Fiestas.

DUBLINESES (LOS MUERTOS)

En el que sería su último film un anciano y enfermo John Huston se enfrentaba de nuevo al reto de trasladar una obra literaria al cine, teniendo en cuenta que la obra literaria es el relato “Los muertos” del libro de James Joyce “Dublineses”, el director no se encontraba ante una situación nada fácil.

A pesar de las dificultades Huston consigue realizar la transposición del lenguaje literario de la obra de Joyce (sutil y preciso, hasta en los más ínfimos detalles, pero con una narración en la que apenas pasa nada hasta el final del texto) al lenguaje cinematográfico con naturalidad y eficacia. Configurando así un hermoso y crepuscular fresco de la burguesía irlandesa de principios del siglo XX. Un mundo anclado en el pasado, un mundo inmovilista y lastrado por recuerdos nostálgicos; en definitiva un mundo que venera a los muertos por encima de los vivos.

BLAKE EDWARDS

En los últimos meses el cine se viste de luto por la pérdida de importantes personajes que han marcado una época en el septimo arte. Desde esta ventana que nos ofrece nuestro blog queremos recordarlos y homenajearlos.

De ahí que de nuevo hagamos un alto en nuestra trayectoria para homenajear en esta ocasión al gran Blake Edwards.

Su nombre fue William Blake McEdwards, nacido en Tulsa (EEUU) el 26/07/1922 y recientemente fallecido en California a los 88 años. Fue director, guionista, actor y productor. Rodó 70 películas y ganó un Oscar honorífico en el 2004. Se casó en 1969 con su musa Julie Andrews.

EL HOMBRE QUE PUDO REINAR

Le llegó el turno a la genial “El hombre que pudo reinar”.

¡Qué suerte los que no conozcáis esta película! Os aseguro que vais a descubrir una auténtica joya cinematográfica. Para muchos, entre los que me incluyo, la mejor película de aventuras de todos los tiempos.

Y es que para los que amamos este film, siempre es un placer volvernos a encontrar con Danny y Peachy para revivir junto a ellos su apasionante odisea a través de la India colonial, el infranqueable Himalaya y el recóndito y misterioso Kafiristán.

Tened por seguro que en este viaje no nos van a faltar diversión, exotismo, amistad, mucha emoción y alguna que otra lágrima.

REFLEJOS EN UN OJO DORADO

Voyeurismo, narcisismo, infidelidad, bestialismo, autoagresiones, sadomasoquismo y homosexualidad latente.

No, esto no es un listado de parafilias, sino los caminos por los que transita John Huston, en mayor o menor grado, en “Reflejos en un ojo dorado”.  

Basada en la novela de Carson McCullers, es un estudio sobre un grupo de individuos de alma distorsionada, que esconden tras una apariencia de normalidad, conductas afectivas y sexuales aberrantes reprimidas en mayor o menor grado, que Huston va desgranando a lo largo de la cinta con su habitual maestría.

LA NOCHE DE LA IGUANA

 La iguana es un animal al que se puede poner en cautiverio atándole una cuerda al cuello, así  permanecerá quieta, sin debatirse para conseguir su libertad. Si después le quitamos su atadura, el animal se mantendrá inmóvil durante mucho tiempo, incapaz de darse cuenta de que es libre y puede escapar.

Tenesse Williams realiza una metáfora entre actitud de la iguana y la del reverendo Lawrence Shannon (Richard Burton) un hombre torturado, incapaz de aceptarse a sí mismo y a su propia naturaleza, paralizado por la desesperación desde hace tiempo; ésta como una soga alrededor de su cuello, le impide hacer uso de su libertad para vivir en armonía física y espiritual.

EL TESORO DE SIERRA MADRE

 

“¡Espera a verme en mi próxima película, interpreto al peor bicho con el que hayas podido tropezarte nunca!” - Exclamó desde la acera del restaurante “21” un jubiloso Humphrey Bogart a Archer Winsten crítico cinematográfico del NY Post.

Corría el año 1946 y Bogie estaba realmente excitado ante la perspectiva de volver a trabajar con su amigo John Huston, interpretando a un personaje muy alejado de los papeles heroicos que se le presumían por ser una gran estrella en la cima de su carrera. Afortunadamente Bogart, por su status y por su gran tirón de taquilla, se había liberado de las restricciones de la política del estudio y se hallaba en condiciones de escoger los papeles que le apetecieran. Utilizó esa libertad para interpretar a Fred C. Dobbs un auténtico looser al que la fiebre del oro y la avaricia empujan a la locura en “El tesoro de Sierra Madre”.

Berlanga durante el rodaje de" la escopeta nacional"

LUIS GARCÍA BERLANGA

Se fue Berlanga, uno de los mejores y más lúcidos directores del cine español.

Luis García Berlanga con su amigo y colaborador el escritor Rafael Azcona lograron retratar, como no lo ha hecho ningún otro con su particular sentido del humor sarcástico y de poso amargo, el carácter español y a la sociedad española durante la segunda mitad del siglo XX.

Ambos consiguieron burlar la torpe censura del régimen retratando magistral y ácidamente a la España franquista en películas del calibre de "¡Bienvenido, Mister Marshall!"(1952),"Calabuch" (1956), "Plácido" (1961) y "El verdugo" (1963) que hoy ya han adquirido la vitola de clásicos. 

LA JUNGLA DE ASFALTO

La llegada de doc Riedenschneider a la ciudad va a desencadenar una serie de acontecimientos que concluirán en un desolador desenlace.

Herr doktor después de varios años a la sombra ha madurado un plan maestro para robar una millonaria colección de joyas, su fama de genial estratega del robo le permitirá encontrar financiación y un equipo de especialistas (pistolero, conductor y revientacajas) para llevar a cabo el plan.

A partir de ahí el destino se tuerce. Una alarma inoportuna, una bala perdida, una traición y más disparos. Finalmente el implacable acoso policial.

Llegados a este punto solamente queda una salida: La  huida desesperada de la jungla de asfalto, ese submundo de criminalidad urbana fotografiado en un blanco y negro quemado, que conducirá inexorablemente a nuestros protagonistas hacia la cárcel o la muerte.

EL HALCÓN MALTÉS

 

Me voy a permitir hacer una presentación de esta película en un tono más personal de lo habitual ya que para mi este film es como un viejo amigo.

Uno de esos amigos que conoces desde hace muuucho tiempo y al que ves de tanto en tanto, menos a menudo conforme van pasando los años, pero siempre que lo haces disfrutas plenamente de su compañía.

Continuando con la metáfora diré que en estos encuentros con mi viejo amigo disfruto una vez más de los mismos hechos ya conocidos, tanto rememorándolos como con la emoción anticipada a la rememoración. Además con el paso de los años y con la madurez voy descubriendo otros matices que enriquecen a mi viejo amigo y esto hace más fuerte nuestra amistad.

Y es que mi relación con “El Halcón Maltés” es así.

Disfruto de cada minuto de su metraje, de una historia apasionante, fiel retrato de la novela del gran Dashiell Hammett, contada sublimemente por John Huston. De un Humphrey Bogart, que alcanzó su status de estrella con este film, en una interpretación memorable que hace que asociemos indisolublemente el personaje Sam Spade con Bogie, borrando a cualquier otro que lo haya encarnado o que lo vaya a encarnar. De una mujer fatal “de libro” (Mary Astor) que arrastra a la perdición a todo hombre que cae bajo su influencia. De unos codiciosos y caricaturescos perseguidores del tesoro (Lorre, Greenstreet y Coock) que enriquecen cada una de las secuencias en las que intervienen.

Y como no de ese misterioso y legendario McGuffin con forma de pájaro negro forjado del material con que se hacen los sueños.

JOHN HUSTON

John Huston (5 de agosto de 1906, Nevada, Misouri - 28 de agosto de 1987, Middletown, Rhode Island) fue un director, guionista y actor de cine estadounidense, naturalizado irlandés.
Hijo del gran actor Walter Huston y de la periodista Thea Gore, paso de ser un niño endeble (tenía un soplo cardiaco) a convertirse en un potente atleta en su juventud. De naturaleza aventurera y algo alocada tuvo una vida muy azarosa.
Por admiración a México se incorporó al ejército revolucionario de Pancho Villa. De regreso a Estados Unidos inició su carrera literaria escribiendo relatos para el American Mercury. Fue militar, boxeador, periodista, dramaturgo, novelista, pintor, jinete, jugador, torero, cronista judicial, guionista e incluso actuó en muchas de sus películas.

Según sus propias palabras:
“Mi vida se compone de episodios fortuitos, tangenciales y dispares. Cinco esposas, muchos enredos, algunos más memorables que los matrimonios. La caza. Las apuestas. Los pura sangre. Pintar, coleccionar, boxear. Escribir, dirigir e interpretar más de 60 filmes.”

LA CALUMNIA

Ajustad la dosis de vuestro antidepresivo favorito porque “La calumnia”, film con el que cerraremos la programación dedicada a William Wyler, es un drama de dimensiones épicas.

En esta película del año 1962 un Wyler que ya lo había conseguido todo en el cine vuelve a sus orígenes con drama protagonizado por mujeres y rodado casi completamente en interiores.

En él explora el poder de la calumnia. Ésta en manos de ricos y poderosos provoca irremediablemente la ruina y la exclusión social de los inocentes. También disecciona a una sociedad de valores corruptos que se recrea morbosamente en la desgracia ajena y condena hipócritamente la homosexualidad.

HORIZONTES DE GRANDEZA

Sin habernos recuperado del impacto de “Ben-Hur” vuelve William Wyler con otra obra maestra y es que su western “The Big Country” entra plenamente dentro de esta categoría por muchas razones. Entre ellas podemos citar el excelente uso del formato panorámico Technirama, unos actores sobresalientes interpretando un muy buen guión y una banda sonora de esas que se quedan en la retina (o más bien en el tímpano) para siempre.

Con la secuencia inicial en la que una diligencia surca al galope la inmensidad semidesértica del far west el director hace ya una declaración de intenciones, combinando las fantásticas panorámicas de este Big Country que se extiende como un océano de tierra y polvo a lo ancho de toda la pantalla, con planos medios en los que los caballos galopan a destajo. La rueda de la diligencia gira y gira en un plano superpuesto al de las patas de los caballos y la chispeante música de Jerome Moross nos mete de lleno en el Gran País.

Y es que el principal protagonista del film no es otro que ese sobrecogedor paisaje de grandes horizontes en el que los individuos y sus acciones se tornan minúsculos en medio de sus vastas extensiones.

TONY CURTIS

El reciente fallecimiento de Tony Curtis nos lleva a hacer otro alto en nuestra revisión a la obra de William Wyler para rendir homenaje al protagonista de clásicos de la talla de “Con faldas y a lo loco”, “Los vikingos”, “Espartaco” o “Fugitivos”. 

BEN-HUR

Pocas escenas de acción están tan soberbiamente rodadas como la vertiginosa carrera de cuadrigas del film que hoy nos ocupa.

La carrera fue rodada sobre una reproducción fidedigna de un circo romano (concretamente el de Antioquía) sin miniaturas ni trucajes de cámara y con miles de extras. Tras semanas de entrenamiento actores, especialistas y caballos consiguieron dominar la técnica para correr con sus cuadrigas en grupo soportando choques, golpes y saltos dejando para Wyler la magistral planificación de la secuencia.

Eran otros tiempos, la magia del cine aún no se sustentaba en la informática ni en sus recreaciones virtuales y para competir con la pujante televisión los estudios apostaron por superproducciones del llamado cine “Kolossal”  siendo Ben-Hur su máximo exponente.

LA CARTA

Bajo la luna llena un disparo rompe la húmeda quietud de una cálida noche tropical y un hombre tambaleante da sus últimos pasos en el umbral de una casa colonial. Detrás de él una mujer con gesto de implacable determinación aprieta una y otra vez el gatillo de su revolver ensañandose con el cuerpo caído de su víctima . 

Con esta secuencia inicial William Wyler comienza "La carta" una de sus películas más conocidas basada en la pieza teatral homónima de Somerset Maughan. En ella logra construir un clima denso de tensión y dramatismo, que se mantiene sin pausa durante todo el film. Todo ello gracias a la perfección e intensidad de su dirección, una expresiva fotografía y una Bette Davis en un papel a su medida. Logrando con todos estos ingredientes una obra dotada de una fuerza inusual que nos mantendra pegados al asiento durante todo su metraje. 

CLAUDE CHABROL

Hacemos un pequeño alto en el camino de nuestro ciclo dedicado a los directores de la época dorada de cine norteamericano para rendir homenaje al recientemente fallecido Claude Chabrol.

Chabrol fue uno de los grandes directores del cine no sólo francés sino europeo director, productor, novelista y crítico de cine en los afamados Cahiers du cinema. Fue uno de los precursores de la Nouvelle Vague y junto con sus compañeros de generación Godard, Truffaut, Rohmer, Malle y Resnais revolucionaron el mundo del cine alentando con sus propuestas a una generación de directores (Coppola, Scorsesse, Friedkin, Hooper…) que más tarde  noquearían el sistema de estudios hollywoodiense.

HORAS DESESPERADAS

Una ominosa cámara subjetiva nos conduce en un plano secuencia por las calles de un barrio residencial de una ciudad del Medio Oeste, esta malévola presencia va dejando pasar una casa tras otra hasta que se detiene frente a una bonita casa en cuyo jardín descansa la bicicleta de un niño apoyada sobre un árbol. 

Este es el comienzo de nuestro film, con el que Wyler magistralmente describe una de las guías fundamentales de está película: El mal que pone en peligro el estilo de vida de la familia americana. Un mal que aparece de repente barriendo de un plumazo los asuntos cotidianos y nos hace enfrentarnos a nuestros miedos más profundos… serán capaces los Hilliard de sobrevivir a esto.

WILLIAM WYLER

William Wyler (Mulhouse hoy Francia, entonces Alemania, 1 de julio de 1902 - Los Ángeles, 27 de julio de 1981) se trasladó a los Estados Unidos en 1921 y fue un prolífico y sobresaliente director de cine estadounidense, tres veces ganador del Premio de la Academia

Casado dos veces y amante de Bette Davis a la que conoció durante el rodaje de "Jezabel".

William Wyler, fue un director cuestionado por los críticos de su época y por otros directores contemporáneos. Se le criticó porque hacía un cine sin estilo, se le llamó el artesano del cine. Existía un pulso entre su cine y el de Orson Welles que no dudaba en descalificarle. Sin embargo no todas las voces fueron negativas, el famoso crítico teórico y cinematográfico francés, André Bazin fundador de Cahiers du Cinéma apoyó el trabajo de Wyler. Al parecer de Bazin nadie sabía contar una historia como Wyler. Abordó todos los géneros: cine negro, comedia, western, melodrama, musical….

LOS MEJORES DIRECTORES DEL CINE CLÁSICO AMERICANO

-->

Comenzamos nuestra andadura con la primera entrega del “Ciclo directores de cine norteamericano” dedicada al Cine Americano Clásico con un grupo de 20 directores que vivieron el apogeo de sus carreras entre los años 1930 y 1959.

Los elegidos son Howard Hawks, Frank Capra, Nicholas Ray, John Ford, Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Rossen, Alfred Hitchcock, Raoul Walsh,  Elia Kazan, Billy Wilder, Robert Siodmak, William Wyler, John Huston, Anthony Mann, George Cukor, Joseph L. Mankiewicz, Orson Welles, Otto Preminger y Michael Curtiz.

Os llamará la atención que no entran en la lista directores tan sobresalientes como Jacques Tourneur, Leo McCarey, Henry Hathaway o Preston Sturges. Pero, es esta etapa de la historia del cine tan prolífica y sobresaliente en talento, que si incluyéramos a todos los que son el número de artistas se nos iría casi a la cincuentena haciendo el ciclo prácticamente interminable.

LA FILMOTECA: CICLO "DIRECTORES DE CINE NORTEAMERICANO"

En su primer ciclo nuestra filmoteca se va a adentrar en las procelosas aguas del cine USA y así elegiremos un puñado de películas de los directores más representativos tanto del cine made in Hollywood como del cine independiente.

Hemos dividido en ciclo en tres partes, comenzando por el cine clásico, con obras de 20 directores que tuvieron su apogeo entre  1930 y 1959.

La segunda sobre el cine moderno con films de directores  (por determinar) entre 1960 y 1980. Finalizando con el cine contemporáneo con directores, también por determinar, cuya obra ha brillado desde el 81 hasta nuestros días.

Así, con mucho ánimo y con ganas de disfrutar de esta experiencia comenzamos nuestro particular rodaje para que con la participación de todos, ya sea como protagonistas o como simples extras, desbloqueemos nuestras mentes, como el gran Marcello Mastroianni en “8 y medio” y configuremos una obra maestra.