EL CUARTO MANDAMIENTO

Queridos amigos cinéfilos, aquí estamos otra vez dispuestos a compartir con vosotros el placer del cine. Gracias a todos por vuestro interés y paciencia durante estos meses, sin más preámbulo pasaré a comentar una nueva película, “Como decíamos ayer…..”

Corre el año 1941, Orson tiene 26 años y tras “Ciudadano Kane” se lanza a su segundo largometraje. La RKO escarmentada por el fracaso de taquilla, que no de crítica, se arriesga nuevamente con Welles, pero sin consentirle audacias, y desechando otras opciones más arriesgadas se decide por una novela poco inquietante de Booth Tarkington: “The Magnificent Ambersons” conocida en España como “El Cuarto Mandamiento”, que consiguió el premio Pulitzer en 1919.

“El Cuarto Mandamiento” es una de las obras maestras de Welles, y aunque fue, como veremos más adelante, duramente amputada, el director consigue dejar su impronta en escenas llenas de emoción, tratadas con exhuberancia visual e impregnadas por la poesía que destila la tragedia griega clásica. Un film profundamente teatral, que trata con sutileza y sobriedad el melodrama, la traición y el amor en el marco histórico de la sociedad americana de finales del XIX y principios del XX.

Fue nominada a cinco premios oscar: Como mejor película, mejor montaje, mejor dirección artística, mejor fotografía en blanco y negro y mejor actriz secundaria.

FICHA TÉCNICA: EL CUARTO MANDAMIENTO “The Magnificent Ambersons”

AÑO: 1942. DURACIÓN: 88 min. PAÍS: Estados Unidos.

DIRECTOR: Orson Welles.

GUIÓN: Orson Welles. MÚSICA: Bernard Herrmann.

FOTOGRAFÍA: Stanley Cortez (B&W).

REPARTO: Joseph Cotten, Dolores Costello, Anne Baxter, Tim Holt, Agnes Moorehead, Ray Collins, Richard Bennet, Erskine Sandford.

PRODUCTORA: R.K.O. Pictures. Productor: Orson Welles, George Schaefer. GÉNERO: Drama. Melodrama. Aristocracia. Fin de siglo.

SINOPSIS

A finales del siglo XIX en Indianápolis Isabelle Ambersons la hija de una aristocrática familia rechaza a Eugene Morgan, su pretendiente, para casarse con un adinerado joven de su clase social, de este matrimonio nace un hijo, George Minafer.

Años más tarde Eugene que ha enviudado, vuelve a Indianápolis acompañado por su hija Luci. Eugene se ha convertido en un industrial acomodado, mientras que la posición social y la fortuna de los Ambersons se ha ido consumiendo. El amor entre Isabelle y Eugene, que nunca se extinguió renace al morir el marido de esta, y un nuevo idilio surge entre Luci y George. Este último incapaz de aceptar la relación entre su madre y Eugene, interfiere hasta llevar el infortunio a todos ellos.

La voz de Orson Welles retumba en los títulos de crédito finales, la imagen se torna un simbólico micrófono que se va alejando, y se oye: “Yo la escribí y la dirigí, mi nombre es Orson Welles”.

Así acaba la película que Welles dirigió y cuyo guión escribió en nueve días.

Eligió para interpretarla a actores del Mercury Theater, y nos traslada el testimonio del fin de un mundo en decadencia y el nacimiento de otro pujante y joven. El primero representado por la aristocrática familia Ambersons, y el segundo por el emprendedor Sr. Morgan, de profesión inventor.

La película posee dos partes bien diferenciadas, una refleja la alegría y está rodada con movimientos de cámara rápidos, con múltiples escenas en exteriores.

La otra por el contrario se desarrolla en un ambiente obsesivo oscuro, donde el enfoque de los techos contribuye a crear esa atmósfera opresiva en el interior de la mansión de los Ambersons, lugar protagonista durante todo el film y que se convierte en la imagen visible de la decadencia de la aristocracia de rancio abolengo hasta su desaparición. De igual manera que la mansión acaba por ser cerrada, y sus habitantes y lo que ella representa desaparecen. Los movimientos de cámara son en esta mitad lentos e inducen a sentimientos de opresión y de tristeza dotados de gran teatralidad.

Con gran maestría Orson Welles teje una tela de araña entre sus protagonistas, y nos deleita con un retrato psicológico profundo de las pasiones humanas y de sus consecuencias. Quizás el director eligió esta novela que ya conocía, por haber realizado una adaptación para su programa de radio, porque abordaba una vez más, los temas que le interesaban y que ya trató en su “Ciudadano Kane”.

Así nos encontramos de nuevo con, por un lado, su obsesión por la infancia encarnada en el pequeño George, que cuando aun siendo niño es un tirano y un pequeño y despótico rey.

Por otro, la presencia simbólica de la nieve, que acompaña los paseos de los protagonistas en los tiempos felices, y es testigo del primer beso de la joven pareja de enamorados.

Y finalmente, la relación entre madre e hijo que a mi entender es el verdadero motor de la película. Algunas críticas la califican de edípica, pero yo me inclinaría más hacia un amor de madre desmedido que sacrifica todo y todos por complacer a su hijo. Y un hijo que confunde amor con egoísmo, y que imbuido de sus ínfulas de aristócrata, no permite la felicidad de su madre. También leo en el tratamiento de esta relación la influencia shakespeariana que impregna tantas obras de Welles.

Añadiré que en esta obra tampoco falta el referente autobiográfico, ya que el propio Orson dio las claves para entenderlo en una entrevista que concedió a la televisión francesa, donde confesó a Jeanne Moureau que Booth Tarkington había sido amigo de sus padres y que el retrato de Eugene Morgan, pionero del automóvil, era el retrato de su propio padre, que había dedicado su vida a inventar cosas prácticas y anodinas.

Los Morgan son espectadores del devenir de los Ambersons, Eugene (Joseph Cotten) y su hija Luci (Anne Baxter), asisten a la decadencia de la aristocrática familia. Cabe destacar la excelente interpretación de ambos. No en vano Cotten era un miembro prominente del Mercury Theatre, su actuación resulta elegante y sobria. En cuanto a Baxter, está esplendida esbozando esa sonrisa que baila entre la alegría y el desafío.

Cotten es el rival de George (Tim Holt) por el afecto de Isabelle (Dolores Costello) actriz que había permanecido casi inactiva desde su etapa en el cine mudo. En esta película aunque no actúa Welles el papel de George parece venirle como anillo al dedo, es uno de esos personajes amorales y egotistas que saturan su filmografía. Finalmente George Minafer fue interpretado por Tim Holt, un desconocido que había actuado en westerns baratos y con el que Welles compartía cierto parecido físico. Su caracterización de George lleva el innegable sello del estilo interpretativo del genio.

Welles es el narrador del film, su voz nos acompaña, nos acerca y nos aleja de los personajes y de sus vicisitudes durante todo el metraje.

Especial mención haré de la tía Fanny (Agnes Moorehead), otra de las más distinguidas representantes del Mercury Theatre. Su papel es especialmente complejo, está lleno de matices que oscilan entre los celos, la traición y la autocompasión. La actriz nos deleita con una interpretación intimista a la vez que muy creíble que fue recompensada con una nominación al oscar a mejor actriz secundaria. El tío Jack es Ray Collins, y Richard Bennet interpreta al mayor Ambersons, ambos encarnan la esencia del espíritu aristocrático.

En el apartado técnico, el director vuelve a utilizar como principales recursos el plano secuencia y la profundidad de campo con gran angular, tal y como había hecho anteriormente en "Ciudadano Kane”.

Welles, director de teatro, planifica la puesta en escena en función del actor, y pretende alcanzar el clímax dramático evitando cualquier interferencia externa a la propia escena y sus actores. Dos espléndidos ejemplos son el plano secuencia de la cocina y el del baile.

En el primero se desarrolla un diálogo entre George y la tía Fanny, al que se incorpora al final el tío Jack. La cámara permanece inmóvil de principio a fin durante casi el tiempo de duración de una bobina completa. En esta escena, Welles nos cuenta dos historias, una que se corresponde con una conversación superficial en la que Fanny en su calidad de tía, comenta con su sobrino los manjares que le ha cocinado y la forma en que este los engulle, y otra mucho más intensa y real, escondida entre las pausas de la anterior, en la que Fanny intenta sonsacar a George información referente a la vida y los planes de Eugene, del que está desesperadamente enamorada. La cámara recoge la tensión, “in crescendo”, sin hacer un solo movimiento y sin orientar al espectador, provocando así mayor tensión.

La otra escena es la del baile del comienzo del film. La cámara permanece inmóvil mientras los personajes entran y salen de su campo de visión. A diferencia de la anterior es alegre rápida, y se continua con un plano secuencia que persigue a George y a Luci en su deambular por las escaleras y las pistas de baile.

La banda sonora corrió a cargo de Bernard Herrmann que era el músico de la compañía del Mercury. Y la fotografía, barroca y preciosista, fue obra de Stanley Cortez, el fotógrafo de “La noche del Cazador” consigue con su iluminación imponer una ambientación armónica con los sentimientos imperantes en cada escena.

El final de la película es sorprendente por lo poco wellesiano que resulta, y evidentemente no pudo ser el final proyectado por Orson Welles.

El montaje definitivo tampoco fue obra de Welles. Éste fue editando la película conforme filmaba y en un preestreno de la película (mientras el director estaba en Brasil rodando un documental) el público la abucheó y se burló de ella. Sin esperar su regreso, George J. Scheafer encargó a Robert Wise que volviese a editarla. El montaje de Welles duraba 131 minutos (de los 148 que tenía filmados) y Wise lo redujo a 88. Para colmo de males, se escribieron y filmaron nuevas escenas, incluido ese atípico final. A su vuelta Welles se encontró con los hechos consumados y sin posibilidad de recuperar el material que había filmado porque la RKO lo había destruido.

En palabras del director: “algo más de cinco rollos de “El cuarto mandamiento” se mantienen tal y como los monté antes de partir para Sudamérica, (…..) También monté toda la parte final, aunque fue totalmente rehecha tras un preestreno. Fueron suprimidos cerca de cuarenta y cinco minutos -en realidad, todo el núcleo principal de la película- en función de los cuales había elaborado la primera parte. La secuencia final en el hospital fue escrita y dirigida por otro. Esa historia no tiene nada que ver con mi guión”.

Ante semejantes datos, como espectadores no está de más, que nos cuestionemos si estamos viendo un film de Welles o una burla macabra realizada con su trabajo. Pero como él mismo afirmó: “El montaje de base es mío, y cuando una escena tiene fuerza es que la he montado yo”.

Estas contundentes palabras del autor despejarán cualquier (absurda) duda que nos podamos plantear frente a esta obra maestra que es “El Cuarto Mandamiento” y con ellas me despido de vosotros amigos cinéfilos, esta vez por poco tiempo, pues espero seguir disfrutando y compartiendo cinefilia con todos vosotros.